Qué es Música Clásica. En
realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta
compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios
del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre
el medioevo y el presente.
Comúnmente se le llama
"clásica", pero los que saben, dicen que tal nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y el primer Beethoven.
Se le dice también música
"culta"; pero en el concepto moderno, toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres
que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza.
En fin, lo que define a esta
música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folclórica. Es
hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son
tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas
especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido
inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse.
Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es
definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es
universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje.
Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en
forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más
notable: No es estática, está en un continuó recambio de formas y modos,
buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede
en la música de otras culturas.
Aparte de las militantes de no
ser folclórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito
geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus
herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay
también una militante temporal. Con el término de música clásica nos referimos
a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno
cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo
comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa pos renacentista.
Se excluyen las músicas medieval
y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes. Se excluyen también
la oriental y la africana, sin desconocer sus valores. Y es que esta música
clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en
los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales.
Es claro que existen otras
estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan
visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el
jazz de Norteamérica.
Normalmente en música entendemos
por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810.
Esencia del clasicismo
Es un periodo artístico en el que
se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza
más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello,
perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de
lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es l a que
refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el
Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad
perfecta y sin problemas; por ello el Clasicismo lleva consigo una
contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un período
de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre
clásico es, pues, el ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar.
CUALIDADES QUE DEFINEN LA MÚSICA
Se busca una música delicada, muy
brillante, alegre y plástica.
Para ello la melodía toma una
importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la
melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a
recurrir a la música popular, música folclórica.
Estas melodías se construyen de
tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas
en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis
(tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.
Se pierde el ritmo mecánico del
Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces
precisamente de la melodía.
Sinfonía (del griego, syn,
'juntos'; phone, 'sonido'),
en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones
contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La
denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios
instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo
notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg
Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo
XVIII.
La sinfonía es como una gran
sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres
movimientos y en los experimentosinstrumentales
de la escuela italiana
del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten
en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan
compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII
la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de
sonata que hemos visto:
1º Allegro
2º Adagio o Andante
3º Minuetto o Scherzo
4º Allegro Finale o Rondó
Cantata, en música, composición
vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios
del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más
antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz
solista sobre un texto profano.
Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los
recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas
obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia
finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición
para dos o tres voces.
Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata
da chiesa (cantata de Iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo
Carissimi verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania,
durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de Heinrich Schütz, Georg
Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian Bach y otros
compositores, evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano.
Bach hizo de la cantata de Iglesia el centro de su producción vocal,
si bien también compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del café.
Ópera, drama en el cual se canta
todo o parte del diálogo y
que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen
varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el
musical y la opereta.
Periodos Preclásico y Clasicismo
de la Opera
Varios compositores intentaron, a
mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron
formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e
instrumental. El compositor más importante de esta época fue el alemán Christoph
Willibald Gluck. Uno de los factores que contribuyeron a la reforma de las
prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera
cómica, que recibía varios nombres. EnInglaterra se
llamaba ballad opera, en Francia opéra
comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera buffa. Todas estas variaciones
tenían un estilo más ligero que la opera seria italiana. Algunos diálogos se
recitaban en lugar de cantarse y los argumentos solían tratar de gentes y
lugares comunes, en lugar de personajes mitológicos. Estas características
pueden verse claramente en la obra del primer maestro italiano de la ópera
cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían más
énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad
a los compositores de óperas serias de dar más realismo a
sus composiciones.
El músico que transformó la opera
buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su
primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras
en lengua italiana,
Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790),
muestran la genialidad de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno
de los primeros grandes papeles románticos. Los singspiels de Mozart en alemán
van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de
inspiración masónica de La flauta mágica (1791).
Concierto (género musical),
composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más
instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido
a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se
hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el
concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla
de colores tonales
instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia variedad de piezas
sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o
de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado,
bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este estilo concertante
fue desarrollado especialmente por el compositor italiano Claudio Monteverdi,
especialmente en sus libros de
madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi,
el compositor alemán Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos
sacros en alemán. Esteconcepto siguió
vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las muchas cantatas
sacras de Johann Sebastian Bach que llevan el título de concertos.
El Concierto Clásico
A mediados del siglo XVIII el cambio musical
decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de
afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés
llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la
sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para
solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los
compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó
gradualmente al violín como instrumento solista preferido. Fue el instrumento
favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió los conciertos más
importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos
cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron
la consagración definitiva a su desarrollo.
Durante el clasicismo, el
concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la
forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las
nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. Los primeros movimientos
se construían como una variante del ritornello. Tanto éste como la primera
sección solista se parecían a la sección de la exposición del primer movimiento
de una sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar
al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando
juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con
una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos
determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los conciertos se
convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia
y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una
gran audiencia.
El Clasicismo se va a ver
reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que
es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a
quien habría que tener en cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La
italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la Austriaca donde surgen
los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los
Stamitz, Cramer, etc.
CONSTITUCION ORQUESTAL
En el siglo XVIII la Música
instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la
Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos fomenta
ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas
privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los
instrumentos a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas
musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad.
Los conjuntos instrumentales
adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus
individuos. El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para
el relleno de las partes intermedias, va cediendo el paso a minuciosas
partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al
mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes
aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto instrumental.
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