MÚSICA CLASICA

                      Música Clásica

Qué es Música Clásica. En realidad, el término debiera corresponder únicamente a la música culta compuesta en el período clásico, de mediados del siglo XVIII hasta principios del XIX. Pero el uso lo ha extendido también a la música seria compuesta entre el medioevo y el presente.

Comúnmente se le llama "clásica", pero los que saben, dicen que tal  nombre se debe reservar para tal música, pero sólo para la que se hizo  en un tiempo determinado, que se conoce como el período clásico de  la música, aquel en el que brillaron Haydn, Mozart y el primer Beethoven.

Se le dice también música "culta"; pero en el concepto moderno,  toda música es producto de una cultura, entendiendo por ésta, el  conjunto de ideas, creencias religiosas, ciencias, artes y costumbres

que forman y caracterizan el estado social de un pueblo o de una raza.

En fin, lo que define a esta música, es excluyente. Se trata de aquella que no es popular ni folclórica. Es hecha por pocos, con la idea de que la gusten muchos, pero estos no lo son tanto. Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que después puede cultivarse. Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las fronteras del tiempo y el espacio. Es universal. Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental. Esta es su característica más notable: No es estática, está en un continuó recambio de formas y modos, buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras culturas.

Aparte de las militantes de no ser folclórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero los americanos y después algunos otros. Hay también una militante temporal. Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa pos renacentista.

Se excluyen las músicas medieval y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes. Se excluyen también la oriental y la africana, sin desconocer sus valores. Y es que esta música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales.

Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica.

Normalmente en música entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1770 a 1810.

Esencia del clasicismo

Es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la fuerza más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las cosas, que es l a que refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el Clasicismo refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas; por ello el Clasicismo lleva consigo una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un período de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar.

CUALIDADES QUE DEFINEN LA MÚSICA CLÁSICA

Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a la música popular, música folclórica.

Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho mas ocho) o de seis (tres mas tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.

Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo muchas veces precisamente de la melodía.

La sinfonia

Sinfonía (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música, composición orquestal que suele constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742) de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía tres movimientos y en los experimentosinstrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que hemos visto:

1º Allegro

2º Adagio o Andante

3º Minuetto o Scherzo

4º Allegro Finale o Rondó

                           

La cantata

Cantata, en música, composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano. Contenía varias secciones en formas vocales contrapuestas, como son los recitativos y las arias. Entre los compositores italianos que escribieron estas obras se incluyen Giulio Caccini, Claudio Monteverdi y Jacopo Peri. Hacia finales del siglo XVII, la cantata da camera se convirtió en una composición para dos o tres voces. Compuesta especialmente para las iglesias, esta forma se conocía como cantata da chiesa (cantata de Iglesia). Sus máximos exponentes italianos fueron Giacomo Carissimi verdadero creador del oratorio, y Alessandro Scarlatti. En Alemania, durante este periodo, la cantata da chiesa, en manos de Heinrich Schütz, Georg Philipp Telemann, Dietrich Buxtehude, Johann Sebastian Bach y otros compositores, evolucionó hacia una forma mucho más elaborada que su modelo italiano. Bach hizo de la cantata de Iglesia el centro de su producción vocal, si bien también compuso cantatas profanas como la célebre Cantata del café.

                                 

La opera

Ópera, drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la ópera, como el musical y la opereta.

                               

Periodos Preclásico y Clasicismo de la Opera

Varios compositores intentaron, a mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e instrumental. El compositor más importante de esta época fue el alemán Christoph Willibald Gluck. Uno de los factores que contribuyeron a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera cómica, que recibía varios nombres. EnInglaterra se llamaba ballad opera, en Francia opéra comique, en Alemania Singspiel y en Italia opera buffa. Todas estas variaciones tenían un estilo más ligero que la opera seria italiana. Algunos diálogos se recitaban en lugar de cantarse y los argumentos solían tratar de gentes y lugares comunes, en lugar de personajes mitológicos. Estas características pueden verse claramente en la obra del primer maestro italiano de la ópera cómica, Giovanni Battista Pergolesi. Dado que las óperas cómicas ponían más énfasis en la naturalidad que en el talento escénico, ofrecieron la oportunidad a los compositores de óperas serias de dar más realismo a sus composiciones.

El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió su primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras en lengua italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790), muestran la genialidad de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos. Los singspiels de Mozart en alemán van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de inspiración masónica de La flauta mágica (1791).

                            

El concierto

Concierto (género musical), composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido a la música se utilizó por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del barroco. Al principio, el concierto y su adjetivo relacionado, concertato, hacían referencia a una mezcla de colores tonales instrumentales, vocales, o mixtos. Se aplicaban a una amplia variedad de piezas sagradas o profanas que utilizaban un grupo mixto de instrumentos, cantantes o de ambos. Este grupo podía ser tratado bien como un conjunto mixto unificado, bien como un conjunto de sonidos opuestos unos a otros. Este estilo concertante fue desarrollado especialmente por el compositor italiano Claudio Monteverdi, especialmente en sus libros de madrigales quinto a octavo (1605-1638). Influido parcialmente por Monteverdi, el compositor alemán Heinrich Schütz aplicó el nuevo estilo a sus trabajos sacros en alemán. Esteconcepto siguió vigente hasta el siglo XVIII, como puede apreciarse en las muchas cantatas sacras de Johann Sebastian Bach que llevan el título de concertos.

                          

El Concierto Clásico

A mediados del siglo XVIII el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó gradualmente al violín como instrumento solista preferido. Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart, quien escribió los conciertos más importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven, cuyos cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron la consagración definitiva a su desarrollo.

Durante el clasicismo, el concierto creció aún más. Su estructura era el reflejo de un compromiso con la forma tradicional del ritornello, en un alarde de virtuosismo, así como de las nuevas formas y estilos desarrollados con la sinfonía. Los primeros movimientos se construían como una variante del ritornello. Tanto éste como la primera sección solista se parecían a la sección de la exposición del primer movimiento de una sinfonía. El resto del movimiento también seguía un desarrollo similar al primer movimiento de una sinfonía, pero con el solista y la orquesta tocando juntos o de forma alternada. El movimiento final era generalmente un rondó con una especie de estribillo recurrente. Los movimientos lentos quedaban menos determinados en su forma. Al igual que las sinfonías, los conciertos se convirtieron en obras grandes, con una personalidad propia y distintiva, que se interpretaban en salas de concierto públicas, delante de una gran audiencia.

                              

Historia del clasicismo

El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a quien habría que tener en cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la Austriaca donde surgen los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los Stamitz, Cramer, etc.

                             

CONSTITUCION ORQUESTAL

En el siglo XVIII la Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la Música vocal en buena parte. Las cortes y los palacios aristocráticos fomenta ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que constituyen orquestas privadas. La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos a cargo de solistas muestran primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad.

Los conjuntos instrumentales adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus individuos. El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va cediendo el paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al mismo. Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y plenitud sonoras del conjunto instrumental.

                       

CULTURA Y VALORES

             CULTURA Y VALORES

Cultura

Hay cultura donde hay hombre, y viceversa (Mosterín, 1993). Sólo se está ante lo que entendemos por cultura cuando nos referimos a lo humano.

El hombre es a la vez producto de la evolución biológica y protagonista de la cultura que él genera. El hombre ha salido de la naturaleza sin dejar de pertenecer a ella. El "salto" a la cultura no hay que entenderlo como una brecha total ya que el hombre nunca abandona la naturaleza.

Cultura es el modo común de pensar organizado de los individuos de una sociedad en orden a producir actividades sociales coherentes, tanto de acción material como de acción individual.

LA cultura es producto del aprendizaje y no de la herencia.

El pensar organizado se refiere al modo conocido de transmitirse ideas unas personas a otras en forma inteligible, y asimismo, al modo social también reconocido de realizar éstas su comportamiento, para lo cual el lenguaje viene a ser el vehículo básico de la relación humana culturalmente organizada. Esto quiere decir que la cultura toma sentido a partir del lenguaje, pues éste representa no sólo un modo específico de equiparar al individuo con medios simbólicos de relación y comprensión de la realidad, sino que también hace obtener un conocimiento preciso de la cultura por el hecho de que en él se incluyen formas de designar las cosas y el comportamiento de los miembros de una sociedad.

El lenguaje es nuestra puerta de acceso al mundo, la "mediación universal" operante en todas las relaciones humanas, entre los individuos, y mediando también la relación de éstos con la naturaleza. Condiciona y posibilita la cultura y es el factor humanizaste por excelencia.

Sin embargo, además de la totalidad de los conceptos y productos que forman el inventario cultural de una sociedad, "cultura" abarca los modos de acción que refieren a los modos de vivir de los hombres en una sociedad, que se explican en función de las relaciones sociales integradas en el espacio y en el tiempo.

                              

Hombre y sociedad

Frente a la concepción burguesa del hombre, marcadamente individualista (Mac Pherson, 1979; también Renault, 1993), se ha ido subrayando la dimensión social del hombre como algo constituyente. El hombre concreto es tal en tanto que vive en el seno de unas relaciones sociales en virtud de las cuales es humano (Marx, Karl, Manuscritos).

Sin individuos, no hay conjunto de relaciones sociales, pero el individuo humano solamente es tal en esa trama relacional, pudiendo decirse a la vez que es a la vez resultado –aunque no sólo eso- de ese conjunto en su totalidad. En un sentido lato de los términos, sociedad e individuo siempre se han mediado entre sí.

                                               

Evolución de la cultura

El modo de producirse las formas y las estructuras culturales, es histórico. La cultura representa una experiencia social que, a su vez, se transmite de unos individuos a otros a través del llamado proceso de socialización uno según el cual individuos y grupos entran simultáneamente en contacto con cada persona y la instruyen en las técnicas que le permitirán relacionarse en el mundo externo. Estas técnicas incluyen valoraciones específicas de este mundo externo, de conciencia específica o histórica de la realidad, así como un modo relativamente homogéneo de representarla y experimentarla.

Toda cultura es un acto de formación y reformación continua y a la vez constituye una estructura de comportamiento que para tener homogeneidad, necesita repetirse. Sus cambios implican no sólo transformaciones del medio, sino también del hombre y de las relaciones de éste con otros, y de éstos en conjunto con la producción de bienes materiales.

                               

Cultura hoy

Las interacciones globales en la actualidad presentan el problema de tensión entre la homogeneización y la heterogeneización cultural.

Homogenización que deriva o bien hacia un argumento acerca de la creciente expansión de la cultura estadounidense, o bien hacia la transformación de la cultura en mercancía. La mayoría de las veces ambos se hallan íntimamente relacionados. Sin embargo, tan rápido como las fuerzas de las distintas metrópolis logran penetrar otras sociedades, muy pronto son aclimatadas y nacionalizadas de diversas maneras.

El crecimiento de las relaciones interculturales, de corrientes políticas como el multiculturalismo, de sistemas de discriminación, del racismo, etcétera, están a la vista en la escena mundial.

El aumento de los intercambios indirectos (mediáticos e informáticos) y de los directos (cara a cara) entre diferentes culturas a raíz del crecimiento también de la industria del turismo, de las relaciones comerciales, de la programación televisiva y del desarrollo de las nuevas tecnologías, exige que se desarrollen "competencias".

     

                          

El Arte

CRITICA DEL ARTE

Crítica de arte

                  

Denis Diderot, considerado el padre de la crítica de arte.

La crítica de arte es un género, entre literario y académico, que hace una valoración sobre las obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal y subjetiva, pero basándose en la Historia del arte y sus múltiples disciplinas, valorando el arte según su contexto o evolución. Es a la vez valorativa, informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena, sin pretender ser un estudio académico pero aportando datos empíricos y contrastables. Denis Diderot es considerado el primer crítico de arte moderno, por sus comentarios sobre las obras de arte expuestas en los salones parisinos, realizados en el Salón Carré del Louvre desde 1725. Estos salones, abiertos al público, actuaron como centro difusor de tendencias artísticas, propiciando modas y gustos en relación al arte, por lo que fueron objeto de debate y crítica. Diderot escribió sus impresiones sobre estos salones primero en una carta escrita en 1759, que fue publicada en la Correspóndanse literaria de Grimm, y desde entonces hasta 1781, siendo el punto de arranque del género.

                                               

                                  

En la génesis de la crítica de arte hay que valorar, por un lado, el acceso del público a las exposiciones artísticas, que unido a la proliferación de los medios de comunicación de masas desde el siglo XVIII produjo una vía de comunicación directa entre el crítico y el público al que se dirige. Por otro lado, el auge de la burguesía como clase social que invirtió en el arte como objeto de ostentación, y el crecimiento del mercado artístico que llevó consigo, propició el ambiente social necesario para la consolidación de la crítica artística. La crítica de arte ha estado generalmente vinculada al periodismo, ejerciendo una labor de portavoces del gusto artístico que, por una parte, les ha conferido un gran poder, al ser capaces de hundir o encumbrar la obra de un artista, pero por otra les ha hecho objeto de feroces ataques y controversias. Otra faceta a remarcar es el carácter de actualidad de la crítica de arte, ya que se centra en el contexto histórico y geográfico en el que el crítico desarrolla su labor, inmersa en un fenómeno cada vez más dinámico como es el de las corrientes de moda. Así, la falta de historicidad para emitir un juicio sobre bases consolidadas, lleva a la crítica de arte a estar frecuentemente sustentada en la intuición del crítico, con el factor de riesgo que ello conlleva. Sin embargo, como disciplina sujeta a su tiempo y a la evolución cultural de la sociedad, la crítica de arte siempre revela un componente de pensamiento social en el que se ve inmersa, existiendo así diversas corrientes de crítica de arte: romántica, positivista, fenomenológica, semiológica, Entre los críticos de arte ha habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del arte, que muchas veces han pasado del análisis metodológico a la crítica personal y subjetiva, conscientes de que era un arma de gran poder hoy día. Como nombres, se podría citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, Émile Zola, Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapié, etc.; en el mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete, Jorge Romero Brest, Juan Antonio Gaya Nuño, Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari, Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo Serraller, José Corredor Matheos, Irma Arestizábal, Ticio Escobar, Raúl Zamudio, etc.

ARTES VISUALES

   Artes visuales

                           

Las artes visuales son una rama del arte, que incluye las tradicionales artes plásticas e incorpora las nuevas formas de expresión artísticas surgidas hacia la segunda mitad del siglo XX, así como el uso de los avances tecnológicos (los denominados nuevos medios) que han dado lugar a la aparición nuevas formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas presente en el arte contemporáneo. 

                                     

                      

Definición

 Las artes visuales engloban las tradicionales Artes plásticas, entre las que se incluyen dibujo, pintura, grabado y escultura, así como las expresiones que incorporan nueva tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es visual,también llamado arte de los nuevos medios entre los que se incluyen:

Fotografía

Videoarte

Arte digital

Net.art

Fanart

Así como otras expresiones de aparición en el arte del siglo XX como:

Instalación

Intervención

Land Art

Arte ambiental

Arte efímero

Arte postal

Arte urbano

Arte público

Arte cinético

Otras disciplinas artísticas como las artes escénicas poseen dimensiones compartidas con las artes visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas y se consideran también en el campo de las artes visuales expresiones como:

Performance

Arte de acción

Happening

Fluxus

Arte interactivo

Caligrafía

Grafiti

Artes aplicadas

      Las artes aplicadas basan su definición en la utilidad de un objeto creado para determinado fin. Se las puede considerar dentro de las artes plásticas y visuales cuando su valor artístico y estético trasciende la utilidad, también es llamado arte utilitario o funcional. Cuando el componente decorativo es mayor al funcional, pero mantiene la referencia, se las considera también dentro de las artes decorativas. Entre ellas se cuentan gran variedad de formas artesanales como:

Alfarería

Orfebrería

Talla en madera

Vitral

Tapicería

Las nuevas utilidades basadas en diseño, comparten espacio con las Artes aplicadas y son consideradas también en el campo de las Artes visuales por su manejo del lenguaje visual y apreciación estética. Entre ellas:

Diseño industrial

Diseño de interiores

Diseño gráfico

                                   

DIFERENCIA ENTRE EL ARTE MODERNA Y CONTEMPORÁNEO

Diferencia entre el arte moderno y el arte contemporáneo 
                        

                       

                       

¿CUAL ES LA DIFERENCIA ENTRE EL ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO?

¿El arte como reflejo social es considerado arte contemporáneo o moderno?

El arte moderno empieza en 1870 en París, cuando los artistas empiezan alejarse de la pintura académica. Lo que enseñaban en las escuelas de arte era pintar temas de historia, religiosos, héroes, o mitológicas. Los colores eran oscuros y se pintaban en un estudio. El primer movimiento del arte moderno fue el Impresionismo, porque empezaron a pintar temas del día, madres con sus hijos, paisajes, bailarinas, retratos, caballos y ellos pintaban al aire libre, rompiendo la tradición de pintar en el estudio. Sus cuadros tenían mucha luz y colores claros. Otra cosa importante que paso fue que el arte era mayormente apoyado por el gobierno, la iglesia y por algunos patrones. A partir del impresionismo el arte se empezó a vender por galerías al público. Paul Durand-Ruel fue el más importante galerista de arte impresionista en las últimas décadas del siglo XIX haciendo exhibiciones en Paris y Londres. Los artistas del Impresionismo fueron Claude Monet, Renoir, Mary Cassatt, Edgard Degas, Camille Pissarro, Berte Morrisot, Gustave Caillebotte, Frédéric Bazille y Alfred Sisley entre otros. Entre los pintores académicos para que veas la diferencia son William Adolphe-Bouguereau, Pierre Auguste Cot, Alexander Cabanel, Thomas Couture,  Bonnat y Paúl Delaroche, entre otros.

                         

                                        

                             

Después del Impresionismo vino el Post-impresionismo con Paul Gaugin, Van Gogh, Paul Cezanne y Henri Toulouse Lautrec. Fue la obra de Cezanne que puso las bases para el cubismo.  Con las Señoritas de Avignon, 1907, Picasso rompió la perspectiva creada desde hace 600 años en el Renacimiento. En 1913 Picasso rompió la base de la escultura creando una obra con cartón y cuerdas de metal, convirtiéndolo en un ensamblaje. Igualmente Marcel Duchamp con su Rueda de Bicicleta hizo la primera obra de arte Cinetico, (que se mueve). Igualmente este fue su primer Ready Made, (objeto completamente hecho). Duchamp con esta obra dio las bases para el Dadaísmo. Rene Magritte causo furor con su obra Esto no es una Pipa, 1929. Porque no lo es, es la representación de una pipa. Pero esas contradicciones chocan a las masas. En 1931 Salvador Dali nos hace su obra más importante, La Persistencia de la Memoria. El hizo esta obra para que después que la hayas visto nunca te olvides que la has visto.

                                               

                                           

                                             

En 1939 empieza la Segunda Guerra Mundial que duraría 6 años hasta 1945. El fin de la segunda guerra mundial como un gran evento de paz e inicio de una paz mundial. Hizo cambios en el mundo comercial, democrático y artístico igualmente. Con el fin de la Segunda Guerra Mundial termina el arte moderno y comienza el arte contemporáneo hasta nuestros días. El fin de la guerra marca el tiempo artístico de un cambio. El primer movimiento del arte contemporáneo es el Abstracto Expresionismo con Jackson Pollock, Mark Rothko, Clyfford Still, Barnett Newman, Lee Krasner y Philip Guston entre otros.

                                 

                                  

                                 

Para responder tu pregunta cuál es la diferencia entre el arte moderno y contemporáneo. Fue tiempo e intención. En el arte moderno, un cambio de actitud para pintar nuevos temas de nuevas manera nunca enseñadas en las escuelas de arte. El arte contemporáneo fue marcado por el fin de la Segunda Guerra Mundial y dura hasta nuestros días. El movimiento Abstracto Expresionista es el primer movimiento creado en Estados Unidos de influencia en el mundo de arte. Este movimiento fue creado por la ayuda de artistas de Europa que salieron por la guerra. Dejo a New York como el centro del arte en el mundo, lugar que ocupaba París.

                                        

                                            

                               

Andrea sobre el arte como reflejo social que trata de problemas de la sociedad, pobreza, el trabajo manual, campesinos trabajando fue en el arte moderno, en Rusia hubo el movimiento Los Itinerantes en 1870 hasta 1923. La meta de los Itinerantes era pintar el paisaje rural y las condiciones sociales urbanas. Otro movimiento social fue el Muralismo Mexicano, que tuvo muchos temas sociales y los artistas buscaban educar a las masas para saber su cultura y apreciar sus orígenes. Esto paso en 1920 hasta 1960, pero es considerado un movimiento de arte moderno. Así que el arte como un reflejo social tuvo incursiones en el arte moderno.

                                 

                                 

EL ARTE

El arte

es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo ,ya sea real o imaginario .
Mediante recursos plásticos , lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas,emociones,percepciones y sensaciones.
                                  
   

Los tipos de arte son:

Arquitectura: este tipo de arte consiste en la técnica que proyecta, diseña o crea edificios, estructuras, espacios o cualquier otro sitio que den forma al espacio humano. Es decir, es la creación de todos aquellos elementos estructurales que construyan una relación entre el ser humano y su entorno natural.

                             

Danza: como bien sabemos, este tipo de arte se basa en la utilización del cuerpo como medio de expresión o herramienta para transmitir un mensaje concreto, moliéndolo de cierta manera y siguiendo un patrón rítmico establecido. Con la danza el cuerpo se convierte en una herramienta que expresa algo mediante su movimiento. Suele estar muy relacionada con la música y el teatro.

                             

Escultura: la escultura es el arte de diseñar, proyectar y elaborar una pieza transformando o alterando algún material maleable que permanezca estático por mucho tiempo. Por lo tanto, es una representación plástica que intenta representar algo, ya sea natural o imaginario. La escultura es entonces la forma por la cual se crea una figura o forma específica.

                              

Música: la música, en términos generales, es la organización de sonidos y silencios con la finalidad de crear una melodía o un discurso específico sonoro. De esta manera, la música construye su obra a partir de la utilización de instrumentos musicales que generan sonidos, los cuales son organizados de tal manera que construyen un todo coherente.

                              

Pintura: la pintura es un arte que utiliza recursos plásticos, es decir pintura y colores, para proyectar alguna imagen, ya sea real o ficticia. Podríamos decir que la pintura es en cierto sentido la captación de una imagen, por lo que sus características son muy similares a las de la fotografía, aunque en el caso de la pintura la técnica utilizada para ello es completamente distinta.

                                            

Literatura: este es un arte que, como bien sabemos, consiste o se basa en la utilización del lenguaje escrito de tal manera que sea especial o único. Por lo tanto, la literatura transmite mensajes y sentimientos, así como ideas en general, de una manera muy particular, utilizando para ello una forma especial del lenguaje escrito. A grandes rasgos, la literatura se vale en gran medida de la analogía, la emotividad y la creación.

                                 

Cinematografía: aunque antiguamente esta actividad no se consideraba como un arte, lo cierto es que hoy en día es uno de los medios de comunicación más populares e importantes a nivel mundial. El cine se basa en la transmisión de un mensaje a través de imágenes en movimiento, es decir de secuencias. Existen distintos géneros al respecto, los cuales dan mayor peso a ciertos aspectos.

                                 

Fotografía: la fotografía es un arte que consiste en la captación de imágenes por medio de una cámara, la cual realiza un proceso químico o digital que almacena o “congela” la luz que capta en un momento determinado. De esta manera, la fotografía es un medio por el cual se expresa un mensaje únicamente a través de imágenes precisas. Evidentemente, al igual que cualquier otro tipo de arte, la fotografía también tiene una técnica e implica una creatividad.